PRECIOUS Una persona, un timó

Precious
Any: 2009
Director: Lee Daniels
Guió: Geoffrey Fletcher (novel·la: Sapphire)

Una persona, un timó

"Tot és un do de l’Univers.” Ken Keyes Jr.
Aquesta cita tan reveladora amb la que comença Precious és, tal vegada, la insígnia forjada del significat del viatge en què el director d’aquesta pel·lícula, Leee Daniels, ens vol fer embarcar en la reflexió positiva durant tota la cinta, tot mentre el fets del film en si són d’allò més denigrants, vexatius i injustos que li pot passar a una persona. I combinada amb aquestes dues lectures tant oposades entre si, Lee Daniels ens serveix com a tercer element d’aquesta història una narració en primera persona dels fet i somnis patits i contats per la protagonista Claireece “Precious” Jones interpretada per l’actriu Gabourey Sidibe, una dona, una adolescent, una filla, una mare, però sobretot una persona.
El que més m’agrada de Precious és que l’actitud de Claireece “Precious” Jones és la d’una dona que ho té tot en contra, però fent creus de tot allò que la tortura cerca els seus somnis per guanyar força per viure (en el sentit més positiu de la paraula) i decidir (en el sentit més valent de la paraula) com qui admirablement obeeix la humana doctrina d’“una persona, un timó”. Així doncs, afrontà el pitjor que li passa per decidir més per ella mateixa i salvar-se personalment de la tragèdia que l’envolta. Fins i tot el més destacable d’aquesta darrera història de la contracultura americana és com na Precious és capaç d’expressar-se sentimentalment i compartir aquesta actitud en una conversa amb què es mostra agraïda vers aquestes persones que excepcionalment en la seva vida la fan sentir-se com ella sap que podria haver estat considerada per la seva família, que era l’infern d’aquesta amazona de la supervivència en l’oiós segle XI, on tothom és competència de tothom i ningú no vol ser menys considerat que els altres. Som anyells pentinats adorant un xot d’or, i com un manat d´ovelles ens tanquen per guardar-nos entabanats per l’èxit de l’efímer i les misèries lluentes. I com a individus de tot aquest guirigall deshumanitzat empram els ulls per odiar en lloc d’emprar-los per estimar. Tal vegada es mirar amb odi sempre que s’odien secretament els ulls del qui mira. Per què hem de fer dels altres i de la vida un continu judici si al cap i a la fi estam, som i alenam perquè tot és un do de l’Univers.

Tot allò que el temps no pot canviar

“Els temps estan canviant” –li diu Patt Garret a Billy The Kid, advertint-lo que fugi abans de matar-lo-.
“Potser que els temps canviïn, però jo no” –li respon Billy The Kid, renunciant a fugir d’una mort segura-.


Pat Garrett & Billy the Kid (1973)

Direcció: Sam Peckinpah
Fotografia: John Coquillon
Música: Bob Dylan
Guió: Rudy Wurlitzer
Intèrprets: James Coburn, Kris Kristofferson, Bob Dylan, Richard Jaeckel, Katy Jurado
Duració: 110 m
Nacionalitat: EUA

El que més m’agrada de Pat Garrett & Billy the Kid és el dolor que transmet la traïció en el rostre de James Coburn (Patt Garret). Com enmig de postes de sol i dies grocs, no és del tot cert el que dicta la civilització autoimposada per l’home blanc. Com l’home que ha de demostrar seguretat a l’hora de representar la llei, el Sheriff Pat Garret està envoltat d’inseguretats i com l’home foragit i mig salvatge que viu al marge de la llei, el legendari Billy The Kid (Kris Kristofferson) demostra una enteresa pura i neta cap al vell amic ara reconvertit en “home de la llei” i demostra una seguretat insuperable. Fins i tot tenint ben en compte que el seu destí final i proper és acabar mort per els trets del seu vell amic o penjat de la soga, en què els nins de Las Cruces, poble abandonat  d’il·lusions, difuminat en la gairebé decadència de “Nuevo Mejico”, hi juguen com un element més quotidià de les seves vides però que contradictòriament és un element de la no vida.
 
Patt Garret arrossega la creu de la seva missió com a nou Sheriff de donar caça al seu millor amic durant tota la pel·lícula. Una ordre que obscurament  ha estat encomanada pel tenebrós, com absent físicament durant tota la pel·lícula,  “Chisum” el dolent terratinent per excel·lència que construeix un imperi ramader amb pràctiques mafioses i criminals.
Allà, al rostre de l’incomparable actor James Coburn, és on resideix la poesia del film, una fesomia  utilitzada com a mapa de la traïció, mostrat pel director del film (Sam Peckinpah) com un del dolors més insuportables de l’home, a més a més al rostre de “l’home bo” mort en vida que ha de donar mort a “l’home dolent” que viu en vida decadent però volàtil mentre espera que el matin, amb el somriure del que gaudeix d’una existència lliure de les cadenes de la consciència.
La resta va seguint com una cançó melancòlica d’una BSO firmada i interpretada per Bob Dylan entremesclada amb la presencia poc esperançadora de la sortida o la posta de sol que lleva un dia al foragit i dóna una passa més a “l’home de llei”. Fins i tot al principi del film Patt Garrett té la possibilitat d’acabar d’un tret fàcil amb la vida de Billy The Kid però tot acaba en un diàleg amb el seu ajudant, que li demana:
-“Per què no el mates? Perquè és el meu amic -respon un ja confós Sheriff Patt Garret.
 
També hi ha reflectit allò incomprensible dels homes, les inevitables contradiccions que sempre han acompanyat l’evolució desenvolutiva o la desenvolució evolutiva que ha fet de l’home un home, un animal anomenat home.
I és quan Billy The Kid, interpretat pel també músic Kris Kristofferson, és capaç de disparar per l’esquena els seus adversaris o simplement als que malauradament s’han creuat pel seu camí, però que a la vegada és capaç de demostrar admiració, respecte i compassió pel seu amic convidant-lo a pegar-li el tret que acabi amb la seva vida. Després, en una imatge poètica del genial director Sam Peckinpah, es veu com si es tractàs d’una fotografia del fet en si, com Patt Garret dispara a un mirall que el seu únic delicte fou el de reflectir la seva imatge disparant el seu amic. És allà on Peckimpah culmina aquest film projectant com l’exquarter Patt Garret es mata simbòlicament. Això si, el que hi ha segur és que mata tot allò que havia estat. Tal vegada el més important de tota la seva vida.

La envidia y el resentimiento son indigestos

El Festín de Babette
BABETTE'S FEAST
basado en un relato de Karen Blixen
Francia-Dinamarca, (1987)
Una película de Gabriel Axel
Gabriel Axel (1918), tras formarse en el Teatro Real de Copenhague marcha a París para trabajar con Louis Jouvet. Ha representado los clásicos franceses en Dinamarca y realizado series en la televisión gala. Su salto a la fama le llega con la adaptación de un relato de Karen Blixen, El festín de Babette (Babettes Gaestebud) obteniendo el Oscar a la mejor película extranjera.

Lo que más me gusta de la película “El Festín de Babette” es como queda reflejada la sociedad de la envidia y el resentimiento. Babette les prepara la mejor cena que puedan degustar en toda su vida. Y los comensales no abren la boca al respecto, no dicen absolutamente nada. Hablan de su mono-tema, como sino estuvieran comiendo nada. Ese es el “modus operandi” de la envidia. El silencio ruidoso es su arma. Por eso en nuestra sociedad actual la sensibilidad es un lastre. Solo conseguirás sufrir más, entristecerte, frústrate. Aquí si decides hacer tu propio camino y sobre todo creer en ti mismo estas perdido. Serás el blanco “disimulado” de esa turba educada que espera en silencio que caigas para venir y soltarte su sermón lleno de refranes populares tan odiosos como estúpidos.
En la España “nacional” se admira únicamente al que tiene mucho, mucho dinero; da igual si has matado, robado, explotado y vendido tu propia alma. Lo que importa es lo que se ve: Cochazos, ropa cara, viajes a países aburridos y como no “el chalet” todo un clásico del mal gusto español, símbolo de los nuevos ricos.
A nadie le gusta ver bien a los demás, di lo mal que estas y de repente todo el mundo te escucha. Di lo bien que estas y la gente te pasa a otro tema. También es una moda estúpida, la de ser valientes por la espalda, poner a caldo a tus semejantes nada más llegar a casa (donde el interesado no te puede oír). Todos saben que hacer con las vidas de los demás, eso si, nadie se atreve a decir en publico que podría hacer con su propia vida.
En la España “una” generalmente se odia, se envidia y como no se valora más el sudor que la cultura. ¿Por qué se admira a Fernando Alonso, tenistas, futbolistas y demás por sus éxitos mundiales y en cambio, se condena al odio y ostracismo más visceral a Pedro Almodóvar por sus también triunfos mundiales?
No me gusta generalizar pero se cumple el patrón de que todos los admiradores del deporte español, odian profundamente el cine español. No lo entienden. Quizás es que ven reflejada su mediocridad en las películas de los hermanos Almodóvar, el maestro Berlanga y no voy a dar más nombres de genios hispanos por no ofender a nadie.
En el ruedo ibérico también se odia, generalmente a Franceses, Catalanes, Vascos, Moros, Albano-Kosovares, Cubanos y “toda ralea de piel morena” (expresión que he odio comentar más de dos veces en ambientes tabernarios).
El más odioso de estos odios es el profesado al pueblo catalán. Todo parte por la idea mediatizada de que no quieren ser españoles, pero en realidad no se les odia por tal afirmación sino que secretamente se les envidia. Por ser unas de las sociedades más avanzadas de Europa. Pero para mi y para el bien de la raza humana no es eso lo más importante. Todos los que practicáis la catalanofobia no sois capaces de pensar por un momento (apartando banderitas y patrias burguesas) que los ciudadanos de Catalunya tienen los mismos problemas que otros ciudadanos del resto del estado, seguramente también tienen… problemas familiares, económicos, laborales, dificultades con la vivienda, las hipotecas, las pensiones, enfermedades mentales, venéreas degenerativas, minusvalías físicas, psíquicas, discapacidades etc. También sufren, padecen, sienten, se les roba, mata, se arruinan. Es decir; los problemas que pueda tener un habitante del este del Estado Español son los mismos que pueda tener los ciudadanos del Oeste, el sur o el norte.
Actualmente el ciudadano medio utiliza a los inmigrantes para sentirse “señoriítos”, superiores. Nadie habla de que la inmigración ha multiplicado la riqueza del estado y nuestra sociedad. Nueva York, Berlín, Paris nunca se hubieron convertido en grandes ciudades del mundo sin todos esos millones de inmigrantes dispuestos a trabajar en cualquier cosa para vivir y formar parte de esa metrópoli. Ahora hay “seudo-señoriítos” de nomina e hipoteca que les duele ver turbantes y túnicas por las calles de sus pueblos y ciudades, pues a mi me duele saber que el clasismo, el resentimiento y la envidia son el deporte nacional.
Siempre nos quedara el calor del fuego, el cobijo de nuestra sombra, y no sintonizar algunos canales de televisión y radio.

Liberty tomándose libertades con la libertad de prensa

El Hombre que mató a Liberty Valance
The Man Who Shot Liberty Balance
EE.UU. (1962)
Director: John Ford
Sinopsi: Un anciano senador relata a un periodista la verdadera historia del hombre que mató a Liberty Valance. La acción comienza cuando un joven abogado, Ranse Stoddard, llega a Shinbone, un pequeño pueblo del oeste, para ejercer la abogacía e imponer la justicia en aquellas tierras. Nada más llegar, es robado y golpeado brutalmente por el temido pistolero Liberty Valance.


Lo que más me gusta de la película “El Hombre que mató a Liberty Valance” es el dibujo sincero y mordaz de la democracia y la política. Como James Stewart, el ingenuo hombre del leyes necesita de su antitesis John Wayne, el rudo pistolero temido por los malvados, para triunfar en la vida política, social y sentimental, apoderándose incluso de la mujer que amaba Wayne.
Un hombre no puede hacer y deshacer, luchar por lo que cree justo al mismo tiempo que guardar una imagen. La política viene ha vulgarizar la existencia de los hombres. En vez de sacrificar para sobrevivir, se ha pasado, a pisar o “aniquilar” para seguir. Alejándose del juego de la naturaleza. El político ha dejado de luchar por una causa, por luchar para ganar votos, convencer, “vender la moto”.
Todos estos demócratas, burócratas y liberales de medio pelo, que les gusta bañarse en el rió teniendo su ropa vigilada, se les debería robar sus “pelajes” (nunca mejor dicho) para que cuando salgan del agua, todo el mundo vea que esconden realmente debajo de esa fachada falsa, neo-hipócrita, que se vean las marcas de cómo utilizando lo políticamente correcto han sedado los instintos humanos.
Liberty Balance, (Lee Marvin) el villano, el malvado que tenia el pueblo de Shinbone aterrorizado. Merecía un escarmiento, una lección, ser abatido justamente. La política de Stewart era ineficaz contra el caciquismo de Liberty, pero hacia creer al pueblo que esa era la forma de luchar contra el, por el contrario solo generaba más inestabilidad y violencia. Realmente quería Stewart acabar con Liberty o poder decir que el acabó con liberty. Y así lanzar como un cohete su carrera meteórica hacia el senado.
Había dos clases de hombres: los que hacen lo que deben y los que hacen creer que hacen lo que deben, publicitando que es lo que deberían hacer todos. Lo que plasmó John Ford en esta película, es un clásico que sigue repitiéndose hasta nuestros días.
En la carrera política no importa la causa que se denuncia sino quien la denuncia. Es la maldita carrera del oro, el “yo llegue primero”. Cada uno trabaja para su tierra no para la tierra. Volviendo a la película, Stewart se colgó la medalla de matar a Valance. Se convirtió en el símbolo del final de la tiranía, y la liberación de Shinbone pero.. ¿Quién mató realmente a Liberty Valance?
Ya no hablemos de izquierda o derecha, todo eso se ha diluido, son diferentes excusas, “tintes” para llegar al poder.
No es real y roza la estupidez que un político mida sus palabras cuando por el contrario no hace más que hablar. Son los silencios lo que se debe medir. Cuando se habla no se debe medir nada porque se supone que las palabras son la acción de tu pensamiento. Ahora no se piensa lo que se dice sino que se piensa bien lo que se va decir.El juego de la política es sucio, una carrera de cuadrigas, una lucha de poder. ¿Por qué desde la seudo-izquierda nos hagan creer que eso no es así, que son héroes de las causas justas, la verdad y la justicia cuando utilizan las mismas artimañas de la mafia, bajo el pelaje de lo transparente, desinteresado y cercano?. Luchar en lo que se cree no solo se hace con las palabras.

Cuando el redactor jefe del periódico local de Shinbone (Edmond O´Brien) se encuentra al temido Liberty Valance urgando en la plancha de la última editorial aún por publicar que acusaba directamente a Liberty en su titular, le dijo borracho pero lúcido - vaya ,vaya , Liberty Balance tomándose libertades con la libertad de prensa-.Quizás sea el momento cumbre del film donde se deja ver que siempre habrá alguién luchando para la esperanza y haciendo llegar una pequeña luz de verdad a toda aquella persona que la lea.

Balas y Rumores que matan

Cuestión de Sangre (Little Odessa)
Titulo Original: Little Odessa
Duración: 111 min.
País: EE.UU.
Director: James Gray
Guión: James Gray
Música: Dana Sano
Fotografía: Tom Richmond
Reparto:
Tim Roth, Edward Furlong, Moira Kelly, Vanessa Redgrave, Maximilian Schell, Paul Guilfoyle
Premios: León de Plata 51 Mostra de Venecia, Copa Volpi mejor actriz secundaria (Vanessa Redgrave), Festival de Deauville 1994: premio de la crítica.

Sinopsis: El joven sicario Joshua Shapira se juega la vida cuando vuelve al barrio que le vio nacer, y del que fue expulsado hace años. Pero tiene que cumplir allí su misión: asesinar a un joyero iraní enemistado con los clanes mafiosos.

Lo que más me gusta de “Cuestión de Sangre” es su crudeza desde que empieza la película hasta que termina, incluso en los momentos donde se demuestran profundos sentimientos de amor y respeto. Y todo esto en una familia destructurada de inmigrantes rusos en un Brooklyn oscurecido por la ley del talón, del silencio y la necesidad de salir adelante a cualquier precio. Entre esta penumbra resalta la deslumbrante interpretación de Tim Roth que da vida a Joshua, un sicario con todo lo que implica ser un matón con chupa de cuero y cara de no fallar nunca. Su próximo trabajo (nada más empezar el film) lo tiene que acometer contra un joyero Iraní de Brighton Beach donde viven su hermano, su madre, su padre que le repudia y sus amigos que respetan y temen.
___ (Edward Furlong) el hermano pequeño de Joshua busca la falta de cariño que no encuentra en su padre ( sobradamente severo y agresivo con su correa) y en su madre (ya delirante y enferma de un tumor en la cabeza, que aguarda moribunda en su cama.)
Toda la familia, incluido la abuela que aparece y desaparece por los pasillos de la casa hablando sola en ruso, tienen en común su tristeza, su fracaso personal y su decepción por la vida.Pero es el amor entre los dos hermanos lo que dibuja un claro entre tanto nublado familiar.
Mientras que el padre infatigable creyente de su duro trabajo en su puesto de periódicos y golosinas ejerce de tirano en la familia, de la que en su día expulso de ella a su hijo mayor por matar al hijo de un amigo, negándole su existencia como hijo .
Su madre reducida a un símbolo de lo bueno que tuvo esa familia tan nostálgico como incapaz para resolver el conflicto actual, donde el padre da ya por perdida su familia, confesándolo a su amante después de acostarse con ella. En situación casi parecida se encuentra su hijo pequeño que aunque viva bajo su mismo techo esta tan distanciado de su padre como (Tim Roth) expulsado del hogar y en paradero desconocido.

Un momento importante de la película donde se consigue ver los sentimientos de los personajes entre tanta crispación y abandono de la familia, es cuando los dos hermanos se citan debajo del puente para hablar de la situación delicada en la que ya se encuentra la madre moribunda. Joshua (Tim Roth) expresa su cariño golpeando y empujando de la bicicleta a su hermano pequeño, preguntándose mutuamente por sus vidas, _____ (Edward Furlong) le pregunta:
-Dicen que eres un asesino.
Joshua responde: -No hay mayor asesino que el rumor, Brooklyn debería llamarse rumor.
Tal vez podría interpretarse de esta película que el sicario esta ejecutado en vida, un muerto que respira, sufre y cuida de su hermano pero esta muerto porque no puede volver a su casa, a su barrio donde esta su novia ( ) y sus amigos de tropelías, porque su padre no le deja volver extorsionado por el padre de la victima. Ese es el precio que ha tenido que pagar por ser un asesino a sueldo, la tristeza de Joshua reside en haber pagado ese precio tan alto. El mata con un disparo en la cabeza y a él le mato el rumor de ser sicario.
Incluso el padre, tenebroso personaje, no se libra de demostrar sus sentimientos de este film crudo pero muy humano con los personajes que cuentan la historia. Es un Triller con el final de un drama, es una historia de amor sin sonrisas, donde sus personajes cuentan su historia desde la sinceridad, la crudeza del tiempo y la situación que les ha tocado vivir que muchas veces es sobrevivir. Porque intentar salir hacia delante no siempre quiere decir hacer las cosas bien. Y hacer las cosas mal no significa ser esbirro de la maldad.
Cuestión de Sangre la firmó (dirección y guión) James Gray con tan solo 24 años. Paso desapercibida del gran público pues se retiro rápidamente de las pantallas dado el tema que aborda el film, a pesar de estar muy bien interpretada, ambientada. Dirigida de forma enérgica y desinhibida; con esa mirada intensa de los genios del celuloide en la cabeza de un joven de 24 años. Tal vez su edad explica la crudeza con la que desarrolla la historia pero se hace duró también pensar que con esa misma edad se firma un película tristísima, con situaciones brutalmente dolorosas.

Manuel Ismael Serrano

El Reloj del alma no tiene manecillas

Fresas salvajes (1956)

(Smultronstället)
Fotografia: Gunnar Fischer
Música: Erik Nordgren
Muntatge: Oscar Rosander
Producció: Svensk Filmindustri
Intèrprets: Victor Sjöstrom, Bibi Andersson, Ingrid Thulin, Gunnar Björnstrand, Max von Sydow

En aquest mateix any també es va rodar amb pràcticament el mateix equip l’altra gran pel·lícula de Bergman El séptimo sello.
Fresas salvajes va ser nominada a l'Òscar al Millor Guió Original.

(Un reconegut metge rebrà el jubileu doctoral (homenatge a la seva carrera).
La nit anterior en un somni contempla el seu propi cadàver i decideix emprendre el viatge amb cotxe amb la seva nora que se n’ha anat de casa del seu fill. Durant el viatge s’aturarà a la casa on passava les seves vacances de nin, on creixien maduixes. Dos mestres del cinema suec es van ajuntar en aquest film, el mestre del cinema mut Víctor Sjöström com a actor i el que serà recordat com a gran del cinema escandinau Ingmar Bergman. Els temes plasmats en la seva filmografia també es troben en aquest film: la recerca de l’ànima, l’existència de Déu i el rostre per explorar d'una de les seves actrius predilectes, Ingrid Thulin.)



El que més m’agrada de Fresas salvajes és el moment en què el doctor Borg (Víctor Sjöström) se seu al costat del lloc de les maduixes salvatges i mirant la casa on passava els estius, en qüestió d’uns parpellejos, en una imatge onírica, ombrada lleument per un eclipsi, Bergam (el director) aconsegueix traslladar a l’espectador cinquanta anys enrere en aquesta mateixa imatge, endinsar-nos per la casa, sabent que avançam per una viatge de somnis vers els records del doctor Borg, guiats per un guió meravellós que ens confessava el turmentat Víctor Sjöström.
Aquesta demostració de poder dibuixar amb una càmera el pas del temps, sota les sensacions de màgia en un blanc i negre lluminós i febril, ho aconsegueix el director Ingmar Bergman l’any 1956. Potser serà que el prodigi de l’home no es remet als avanços tecnològics ni a la modernitat dels temps.
A partir d’un somni la nit anterior al seu jubileu doctoral, Isak Borg és capaç d’observar-se a si mateix alhora d’observar als qui l’envolten, i tenir la capacitat d’actuar degudament davant la nova visió i percepció de la vida. Des d’aquest somni on veu el seu cadàver i com els rellotges no tenen manetes, l’ancià doctor admirat per la humanitat però retret per la seva família per la seva fredor i egoisme, gaudeix de la possibilitat de veure des d'un altre prisma, des dels ulls del seu esperit, la percepció pura de la vida. És com un passeig de comiat abans de marxar per sempre al jardí dels enterrats. L’actor Víctor Sjöström sembla ser mort o ser una aparició durant tota la pel·lícula. Intenta ajudar i comprendre les persones que coneix i vol desdoblar-se totalment de la persona esquerpa i gairebé dèspota que va ser per als seus durant tota la seva vida. Evolucionant a un altre Isak Borg sense renunciar als seus principis, a través de l’actitud i no del comportament.
El rellotge sense manetes que surt a la pel·lícula a partir del primer somni del Dr. Borg és al meu entendre la simbologia del rellotge de l’ànima, de l’esperit que ens turmenta però també pot il·luminar-nos.
El guia de Bergman és l’actriu (Ingrid Thulin) que interpreta a la nora del doctor que l’acompanya en el seu viatge de quilòmetres i confessions. Compartint aquest viatge amb un matrimoni deshumanitzat capitanejat per un espòs masclista que ridiculitza la seva dona, a qui Marianne (Ingrid Thulin), amb el silenci aprovatiu del seu sogre Isak Borg, els acaba expulsant del cotxe, deixant-los seguir el seu calvari sols, en la carretera.
També coneixen un grup de tres nois (Sara, Anders i Víctor). La jove Sara (Bibi Andersson) no sap de quin dels dos amics està enamorada, però al final del film segueixen els tres junts. Potser els vulgui a tots dos, perquè un amb l’altre conformen l’home de la seva vida: un representa els dubtes, el pragmatisme, l’energia, i l’altre la fe, l’esperit i les conviccions. Els joves Anders i Víctor (Folke Sundquist i Björn Bjelfvenstam) sempre acaben amb una baralla les seves constants discussions sobre l’existència de Déu.
Al final, el cansat i ja vell doctor Borg arriba a l’homenatge per retrobar-se amb si mateix, amb el seu fill Evald (Gunnar Björnstrand), solucionant amb el retrobament el conflicte sentimental entre ell i la seva dona (Ingrid Thulin). Entre l’alegria dels seus dos éssers volguts reconciliats, el doctor apareix dèbilment tirat al llit. Només queda dir-los que els estima i besar Marianne, la seva còmplice durant el transcurs de tota la pel·lícula, després d’aconseguir recuperar el seu espòs Eval. El ja moribund doctor, en el seu darrer somni, s’acosta a la finestra perquè els seus tres joves amics, que continuen el seu estrany viatge, s’acomiadin del moribund Isak que els demana amb veu apagada que no deixin d’escriure’l, per a després tornar al llit i morir amb la pel·lícula. Amb la lleugera llum que potser deixa la mort quan tot s’apaga.
Al meu entendre, després de veure Fresas salvajes cobra fermesa el pensament que un home ha de trobar la llum en el seu ser i no en la seva intel·lectualitat. Tan senzill però difícil de llegir com un rellotge sense manetes.

Dedicat al senyor Joan Servera “Fena”, sacerdot, amant del cinema i de la literatura, que desitjava la volta del Cine Unió de Son Servera.

Manuel Ismael Serrano